Id Xanthraxによる、シンギュラリティへの受け入れ
オンライン上でペンネームを使用し活動するアーティスト兼思想家、Id Xanthraxとのコラボレーションに伴い、インタビューを敢行
■ 「Trendergarten HD」は、ブランドであり、マニフェストであり、コレクティブであり、ライフスタイルブランドであり、広告代理店でもあります
ー あなたは誰で、「Trendergarten HD」とは何ですか？
Who are you and what is Trendergarten HD?**
「私はId Xanthrax（Instagram：@id_xanthrax）と申します。オンライン上でペンネームを使用するアーティスト兼思想家であり、さまざまなメディアを横断して活動しています。「Trendergarten HD」にはさまざまな側面があります。ライフスタイルブランドであり、マニフェストであり、広告代理店でもあります――しかし何よりも、これは私が取り組んでいる多様な活動形態を凝縮し、独自のワールドビルディングを行うために用いている「器」なのです。ここで注目している美的領域は、ポスト・バイラルなソーシャルメディア環境におけるハイパー・ダダイスト的なミーム論と、自己最適化の形態、すなわちポスト・ルックスマクサー、ビンボ・フェミニズム、ポストヒューマニズムとの対比です。こうしたサブカルチャーの変異――より広く言えば――や、それらが掲げる信念は、公の場ではしばしば嫌悪されるものの、多くの個人が私的にはそれを受け入れていると思います。それこそが、それらを一種のパンクやネオ・パンクたらしめ、私にとって非常に興味深い可視性の形となっているのです。このブランドの活動は多岐にわたるが、その一つが、Radd Loungeと共同でリリースするカプセルコレクションだ。これにはアパレルやジンに加え、動画コンテンツやオンラインパフォーマンスの配信も含まれる」
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「I’m Id Xanthrax (ig: @id_xanthrax), an online pseudonymous artist and thinker, working across multiple mediums. Trendergarten HD is many things: a lifestyle brand, manifesto, advertising agency — mostly its a container I’m using to distill the many modes I work in and to world-build. Aesthetic areas of interest here are the hyper-dadaist memetics of our post virality social media environment in contrast to forms of self optimization ie. post-looksmaxxer, bimbo-feminism, post-humanism. I think these subcultural mutations— more broadly — and the beliefs they espouse, though often hated publicly are assumed by many individuals privately. That’s what makes them a kind of punk or neo-punk, and a form of visibility that’s very interesting to me. The activities of the brand will take many forms, one of those being the capsule collection I’m releasing with Radd Lounge, which comes with clothing and a zine, but also a stream of video content and online performances.」
■ それは「digital」「hypervisible」「hypervisual」「hyperdetailed」「hyperdefined」を暗示させるでしょう
ー この名前の由来は？
Where does the name come from?
「この名前は、文字がごちゃ混ぜになっており、その多くが文字とは言い難い状態だった初期のAI生成物に由来しています。この「ネオグラフィ」は、私には「trendergarten」と綴られているように見えました。ある日、この名前が実に興味深いと気づいたのです。なぜなら、幼稚園こそが、私たちが多くの習慣や世界観を形成する場所だからです。今日、若者たちはトレンドやミームを通じて、オンライン上で制度化されています。私の創作活動において興味を抱いていることの一つは、現代における幼少期や人生の初期形成の状態です。「HD」という要素は必ずしも「高解像度」を意味するわけではありませんが、もしその点を指摘したいのであれば、それは「デジタル」「ハイパー可視性」「ハイパー視覚性」を暗示することになるでしょう」
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「The name comes from an early AI generation which had jumbled lettering, and many of the letters were not quite letters. This neography looked like it spelled “trendergarten” to me. One day it occurred to me that the name was really interesting, because kindergarten is where we form many of our habits and ideas about the world. Nowadays, youth are institutionalized online via trends and memetics. Part of what interests me in my practice is the state of childhood and early life formation in our era. The HD element doesn’t necessarily stand for high-definition, but if you wanted to point to that, it would connote the digital, the hypervisible, the hypervisual.」
ー あなたの創作活動は、彫刻、インスタレーション、ブロックチェーン、映像、広告など多岐にわたります。これらすべてをどのように結びつけているのですか？
Your practice spans sculpture, installation, blockchain, video, advertising. How do you hold all of that together?
「これは、厳密には「選択」というわけではない。作品の一体感を支えている要素の一つは、表現のトーンや語り口に一貫性があること――つまり、これらの要素の多くが、まさに私自身から生まれているという事実だ。私は非常に実践的なアーティストであり、作品のどの側面も外部に委託することはない。どの媒体に対しても、時には原始的あるいは最小限の手法で、自分の手で取り組んでいる。デジタル画像の制作――そしてものづくりにおいても――を原始的な方法で取り組むことの面白さは、しばしばかなり硬質に感じられるメディアの中に、ある種の表現主義を生み出す点にある。全体をまとめるのは時に困難を伴う。このプロジェクトの一環として、私がこれまで手掛けてきた数多くのプロジェクトやアイデアに焦点を当て、それらを一つに凝縮し、独自の世界観を構築している」
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「It’s not really a choice. Part of what holds it together is a through line of register and voice — the fact that many of these things come from me specifically. I’m a very hands-on artist, I really don’t outsource any aspect of my work. Each medium is something I approach with my own hands, sometimes in a primitive or bare-bones way. What I find interesting about approaching digital image production — and manufacturing too — in a primitive way is that it renders a kind of expressionism within what’s often quite rigid-feeling media. Holding it together can be difficult at times. Part of this project is a focus and distillation of the many projects and ideas I’ve had into a singular world.」
ー あなたは自身の作品を「破壊行為や窃盗の『日常語』を拡張するもの」と表現していますが、それはどういう意味ですか？
You’ve described your work as “expanding vernaculars of vandalism and theft.” What does that mean?
「私は、寄生の一形態としての「影響力」と、現在の資本主義体制における寄生の力学に関心を持っています。このシステムは基本的に窃盗、すなわち時間、労働、知的財産、そしてデータの窃盗の上に成り立っています。私はこれを外部の視点から批判するのではなく、こうした力学を人間存在の根本的な要素として受け入れることに興味があります。正直なところ、私は知的財産権を信じていません。今日では、基本的にあらゆるものが盗まれたり利用されたりするために存在しているのです。そして、そうするとき、私たちは単なるコンテンツだけでなく、その形式そのものをサンプリングしているのです」
「「破壊行為」という側面は、グラフィティやストリートアートをしながら育ったという、より個人的な立場に由来しています。それがやがて、パブリック・ハプニングやインスタレーション、公開イベントの開催、ギャラリーや機関以外のスペースでの展示へと発展し、さらには商業スペースに予想外の形で侵入する活動へとつながっていきました」
「こうした本能のすべてが私にとって興味深いものであり、グラフィティアーティストやブランドとして「名声を確立する」ことに関連する破壊行為の概念もその一つだ。今日、こうした要素はソーシャルメディアの力学やミーム、そしてバイラルなデジタルコンテンツへと融合していると思う。かつて私たちが当たり前だと思っていた多くの基本的な制度は、プラットフォームに取って代わられてしまった。その中でサブカルチャーを覆したり見出したりする唯一の方法は、デジタルという文脈において「注目を乗っ取る」ことを理解することにある」
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「I’m interested in influence as a form of parasitism, and the dynamics of parasitism in our current iteration of capital. The system is basically founded upon theft: the theft of time, labour, intellectual property, and data. Instead of critiquing this from an outside perspective, I’m interested in embracing these dynamics as fundamental to the human condition. I don’t believe in intellectual property, to be honest. Nowadays everything is basically there to be stolen or used — and when you do that, you’re sampling more than just the content, you’re sampling the form itself.」
「The vandalism part comes from a more personal position of growing up doing graffiti and street art. That turned into public happenings and installations, throwing public events, and exhibiting in non-gallery or non-institutional spaces, as well as invading commercial space in ways that are unexpected.」
「All of these instincts are interesting to me, including notions of vandalism as they relate to “getting up” as a graffiti artist or as a brand. I think these things have merged today into social media dynamics, memetics, and viral digital creation. Platforms have taken over many fundamental institutions we used to take for granted. The only way to subvert or find subculture within that is to understand hijacking attention within the digital context.」
ー Souljamaxxer、Cumbomogged、Bender、Trenderというキャラクターたちはどのような存在で、どこから来たのでしょうか？
Who are the characters — Souljamaxxer, Cumbomogged, Bender and Trender — and where do they come from?
「これらのキャラクターは、私が関心を持っているさまざまなエネルギーの精霊、あるいはその現れです」
「Souljamaxxerは、半神的な意味合いにおいて、「異質な男性性」——すなわち、私たちの外側に存在し、死への衝動へと私たちを駆り立てるような男性性を体現しています。この命名法は、私がラップを愛していることにもつながっています。ラップは、一種の加速された資本主義的な詩であり、加速的な力なのです」
「コンボモガーは、サイクロプスでハイパービンボなキャラクターであり、そのスペクトルの反対側を体現している――つまり、過度に活発な女性像がプラスチック的な形に押し込められ、ほとんど人間離れし、もはや自然の姿とは似ても似つかない存在である」
「BenderとTrenderは漫画のキャラクターです。彼らについては、今後徐々に詳しくお伝えしていく予定です。これらの存在は、徐々にその姿を現していくでしょう」
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「These characters are spirits or iterations of various energies I’m interested in.」
「Souljamaxxer represents, in a demigod sense, a xenomasculine quality — a masculine that is outside of us, something that propels us toward a death drive. The naming convention also points to my love of rap — rap as a kind of accelerated, capitalistic poetry, an accelerative force.」
「Combomogger is a cyclops, hyperbimbo figure who represents the other end of that spectrum — a hyperactive conception of femininity pushed into plasticity, almost inhuman, no longer resembling nature.」
「Bender and Trender are cartoon characters. You’ll hear more about them over time. These things will reveal themselves gradually.」
ー この最初のコレクションのタイトルは何で、その意味は？
What is this first collection called and what does it mean?
「このコレクションには現時点ではタイトルが付けられていないが、レーベルの仮のタイトルあるいはスローガンとしては「Become a Monster」が挙げられる。これは、人間の姿や人間の制度という限界を超えたものを積極的に受け入れるよう呼びかけるものだ。それは、自らの異質さや奇抜さを受け入れるという意味で、ニーチェ的な呼びかけである」
「それは、あなたを他の人々から際立たせる資質についてであると同時に、厳密には資本の利益のためではなく、より深く個人的な何かのために向けられた一種の自己最適化についても語っている。それは昔ながらの人道主義ではなく、文化の新たな変容を欠陥としてではなく、新たなシュールなユートピアへと向かう可能性のある方向性として受け入れることである」
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「The collection is presently untitled, though a tentative working title or slogan for the label would be Become a Monster. It is a call to embrace what is beyond the limitations of the human form or human institutions. It’s a Nietzschean call in the sense of embracing one’s own strangeness and bizarreness.」
「It’s about the qualities that make you stand out from the crowd, but also about a kind of self-optimization that isn’t strictly in service of capital, but of something deeper and more personal. Not humanism in an old-school way, but embracing new iterations of culture not as defects, but as potential directions toward new surreal utopias.」
ー この作品は、インターネット上のサブカルチャー、ルックスマックス、ボディ・モディフィケーション、オンライン・ボディホラーから着想を得ていそうですが、あなたはこれらの世界に身を置いているのでしょうか、それとも外から観察しているのでしょうか？？
The work pulls from internet subcultures — looksmaxxing, body modification, online body horror. Are you inside these worlds or observing them?
「ある意味では、私はこうした世界の内側にいると言えるでしょう。作品には自分の外見や私生活は持ち込みませんが、こうしたサブカルチャーは魅力的であり、時には、通常は考えられないような形で、私にとって前向きな影響さえ与えてくれます」
「今日のアーティストは、ある種の人類学者であると思います。私は作品の中で個人的な立場を表明しないように心がけています。なぜなら、それは制限になると考えているからです。こうしたアイデアの上に立つことも、その外側に立つことも望んでいません。私はそれらに深く入り込み、自分がその一部なのか、それとも批判しているのかがもはや判別できないほどになりたいのです」
「私たちは「ポスト・クリティーク」の時代にいると思います。現代のアーティストは本質的に批判的です。たとえそうでなかったとしても、その作品の重要性は、それがどれほど目に見えるかによって決まるに過ぎません。かつて象牙の塔に存在していたような批判的立場は、ほぼ消え去ってしまいました。私たちは、「内」と「外」がそもそも何を意味するのかを再定義しなければならないのです」
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「I’d say I’m inside these worlds in some senses. I keep my physical appearance and personal life out of my work, but these subcultures are fascinating and sometimes even positive to me in ways that aren’t always considered.」
「I believe todays artist is a sort of anthropologist. I try not to take on personal positions in my work, because I see this as a limitation. I don’t want to sit above or outside these ideas. I want to penetrate them so deeply that it’s no longer clear whether I’m part of them or critiquing them.」
「I think we’re post-critique. The artist is inherently critical now. Even if they’re not, their work is only as important as it is visible. The critical position that used to sit in an ivory tower has largely fallen away. We have to redefine what inside and outside even mean.」
ー なぜ、Radd Loungeはローンチにぴったりの場所だと感じるのでしょうか？
Why does Radd Lounge feel like the right place to launch?
「Radd Loungeは、インターネット文化の中で市場やファッションを理解するための新しいモデルを模索することに前向きなようです。ギャラリーというシステムは奇妙な状況にありますね。私たちが理解しているような視覚芸術は、ますます時代遅れになりつつあるようです。アート界で出回っているものの多くは、現実から大きくかけ離れている。そして、AIや私たちが日々利用しているプラットフォームの影響で、アートに対する私たちの考え方は急速に変化している。だからこそ、こうした激動に対してオープンな姿勢を示し、前向きに取り組んでいる組織や機関には敬意を抱いている」
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「Radd Lounge seems open to exploring new models for understanding markets and fashion within internet culture. The gallery system is — well it’s in a strange state. Visual art, as we understand it, seems to be getting increasingly anachronistic.. A lot of what circulates in the art world is deeply out of touch. And our ideas of art are changing very rapidly because of AI and the platforms we inhabit daily so I appreciate organizations and institutions who are open and excited about these turbulances.」
ー あなたの芸術活動は『Trendergarten HD』とどのように結びついているのですか？
How does your art practice connect to Trendergarten HD?
「これは私の仕事の延長であり、その受け皿でもあります。また、私がすでに取り組んでいる多くのことを、ひとつの枠組みに集約する方法でもあります」
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「It’s an extension and a container for my work. It’s also a way of distilling many of the things I already do into a single structure.」
ー アート界に根ざした実践において、ファッションはどのような位置づけにあるのでしょうか？
Where does fashion fit into a practice rooted in the art world?
「時々、ファッション界の方がアート界よりも、概念的に厳密な作品を生み出しているのではないかと思うことがある。こうしたカテゴリーの境界は、もはや区別がつかないほど曖昧になりつつある」
「私はそうした境界を取り払いたいと思っているので、カテゴリーで定義する必要なく、ただクリエイティブな活動に取り組んでいるだけです」
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「Sometimes I think fashion is producing more conceptually rigorous work than the art world is. These categories are becoming blurred to the point where they may no longer be separable.」
「I’m interested in dissolving those boundaries so I’m just doing creative work, without needing to define it categorically.」
ー 「Trendergarten HD」をどのような存在にしたいですか？
What do you want Trendergarten HD to become?
「私は、これを他者が身を置くことのできる「思考の器」や「媒体」にしたいと考えます。人々が作品と関わり合う手段ともなり得るライフスタイル・ブランドです」
「その世界観は共有された知的財産であり、完全に私だけのものではありません。私の活動の多くは、より広範な「ヒューマン・イメージ・プロジェクト」に由来しています。目標は、消費と創造の両面において、人々が身を置くことのできる何かを提供することです」
「それは、生産的な意味で、他者が「寄生」できるような「宿主」を作り出すことなのです」
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「I want it to become a container or vehicle for thinking that others can inhabit. A lifestyle brand that can also be a way for people to engage with the work.」
「The lore is shared IP — not entirely mine. A lot of what I do comes from the broader human image project. The goal is to give people something they can inhabit on a level of consumption and creativity.」
「It’s about creating a host that others can become parasitic to, in a productive sense.」
ー 今後の予定は？
What’s next?
「今年の後半は、いくつかの展覧会を控えていることもあり、さらに多くのオブジェやグッズ、そしてより幅広いパブリック・インスタレーション作品の制作に取り組んでいます。私が将来について思い描いたり意図したりすることが、現実とは食い違ってしまうことはよくありますが、それは創造のプロセス――つまり、注意を払い、推論し、ビジョンに身を委ねるというプロセス――に内在する要素なのだと思います。これから訪れる数々の文化的断絶を楽しみにしています」
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「I’m working on more objects, merchandise, and a broader collection of public installation work over the next half of the year with a few exhibitions coming up. Often what I envision or intend for the future ends up at odds with reality, and I think that’s an inherent part of the creative process — of attention, inference, and inhabiting a vision. I look forward to the many ruptures of culture to come.」
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